Ludmilla Tourischeva

Coragem e desprendimento: teve-os Eva Ionesco para transpor para o grande écran a sua história de vida, que, verdade seja dita, foi do conhecimento público há 40 anos, mas nunca tinha sido exibida e descrita com este pormenor na primeira pessoa do singular. «My Little Princess» é, assim, a autobiografia daquela que foi a ninfetta da própria mãe, Irina, ao servir-lhe, de forma escabrosa e doentia, de modelo fotográfico e fonte de receita durante anos a fio. A história tem-se como verídica tal como as réplicas dos décors. Huppert está unique, como sempre, e Anamaria Vartolomei cumpre bem, embora nunca atingindo a expressão dúbia e provocante da original, como se comprava consultando imagens desta de arquivos online. Vale pela curiosidade e pelo "voyeurismo" evidente.

Pergunta o grande Bronson, aliás M. Dobbs, à injustamente olvidada Marlène Jobert, em «Le Passager de la Pluie» (1970), um dos grandes romances com intriga policial filmados pelo sempre impecável René Clément. Foto e música: superlativas.

E de «Noi Donne Siamo Fatte Così», do inimtável Risi.

Passa esta tarde na Cinemateca. Tutti insieme :-)

Fica para a história do Cinema pelo filme dos anos 70 em que fez as vezes do jovem Churchill, papel que o marcou indelevelmente e que por isso mesmo, talvez, e à semelhança de tantos outros actores a quem o mesmo aconteceu, Ward tenha passado ao lado de uma grande carreira no grande écran.

«I don't know what happened to Antonio Bay tonight. Something came out of the fog and tried to destroy us. In one moment, it vanished. But if this has been anything but a nightmare, and if we don't wake up to find ourselves safe in our beds, it could come again. To the ships at sea who can hear my voice, look across the water, into the darkness. Look for the fog. »

Um filme sublime, de uma dupla sublime (Powell & Pressburger).

Passa hoje às 15h30. Don't miss it!

Este fim de tarde em Santa Apolónia.

Nunca fui escuta, porque não gostava (gosto) de dormir em tendas e porque tinha (tenho) medo dos terríveis seres das florestas. Mas depois de ver «Moonrise Kingdom» o último e magnífico e arejado filme de Wes Anderson, deu-me vontade de voltar atrás e dizer presente às requisições que todos os anos eram feitas nas escolas por onde andei invocando o nome de Baden-Powell (não o compositor brasileiro … mas o militar inglês). Graças ao bom gosto, ao sentido estético e ao humor inigualável de Anderson, pude regressar de facto aos idos de 60-70, às cores e aos modos a que agora chamam vintage, às aventuras à «Les Galapiats», aos rádios gira-discos portáteis (o meu era mais bonito, toma, toma, era verde e branco e tinha feitio de mala!), às descobertas do tempo das descobertas. Está-se perante um exercício de fino recorte visual, do mais puro cinema de animação, mas com personagens e décors reais. Uma aventura de adolescente, a que só mesmo aqueles que nunca as conheceram poderão desdenhar. É quase perfeito; em certa medida, uma outra face possível ao cinema de Burton…

Sem dúvida que poderia ter feito muito mais filmes do que fez, e seguramente que fica na história do Cinema pelo Óscar que ganhou. Mas para mim ficará sempre como a voz-off de uma das obras-primas de Mankiewitz: «A Letter to Three Wifes».

O hábito faz o monge, ou não faz? Pois, o certo é que o filho de Jean-Pierre Cassel quase nunca deixa de parecer um gangster disfarçado de monge e cedo se vislumbra que o rapaz é coisa ruim e depressa irá pecar, caindo na primeira tentação da carne… Mais tique menos tique e piscar de olho ao já mencionado, e bem, cinema profusamente choc de Ken Russell, «O Monge» resulta melhor em termos visuais do que propriamente pela história; graças a alguns, muitos, mesmo, planos fabulosos de claro e escuro, por obra e graça da fotografia de Patrick Blossier mas também, e de que maneira, dos cenários naturais que ele fotografa - para os mais distraídos: Santes Creus (Girona), Fontfroide (Narbonne) e as Bardeñas (Navarra). Além disso ficam apenas a sequência da procissão, a música de Alberto Iglésias (mais uma...), o subaproveitamento nítido de Sergi López e, sobretudo, a ideia de que Dominik Moll poderá fazer bem melhor; pelo menos, assim nos fez crer em «Henry, un ami qui vous veut du bien».

Mais do que uma revisitação à «Procissão ao Calvário», uma das mais famosas obras do mais famoso dos Brueghel, evitando assim ao espectador uma abalada até Viena para a ver in loco; «O Moínho e a Cruz» é uma tentativa bem conseguida do polaco Lech Maiewski, de escalpelizar aquela imaginando-se o pintor e recorrendo ao “seu” olhar, i.e., uma miscelânea possível entre crítica de arte e registo cinematográfico.

O filme é bastante bonito (dá uns stills magníficos!) mas o que de melhor tem o filme são mesmo aqueles planos de profundidade em que as personagens reais vão passando pelas cenas como figurantes animados por sobre pinceladas de cores e matizes vários, tendo como pano de fundo a religião, uma época e um ambiente muito próprios. Falta, quiçá, ajustar, equilibrar, as personagens reais à dimensão grotesca do olhar de Brueghel, talvez a grande falha do filme; isso e alguns actores completamente perdidos. Rutger Hauer mantém-se em forma e saúda-se o regresso às telas de Michael York.

No cômputo geral, Greenaway talvez tivesse feito melhor enquanto objecto plástico, mas Rohmer fez seguramente muito melhor em «A Inglesa e o Duque», enquanto Cinema, alcançando o mix perfeito entre fluidez narrativa e deslumbramento visual, com recurso às tecnologias de ponta.

Faz hoje 74 anos o seu record à volta do mundo.

As memórias são tantas por entre as centenas de personagens interpretadas por este que era um dos maiores actores vivos de Hollywood, que é difícil eleger um filme que seja o "seu" por entre tantos westerns, policiais, aventuras, dramalhões, comédias, épicos, etc., etc., que protagonizou, quase sempre, e injustamente, como actor secundário. Mesmo assim, arrisco «Marty», não só porque afinal de contas lhe valeu o Óscar (embora muitos mais tivessem ficado por lhe atribuir), mas por ser naquele filme que, talvez, a sua personalidade real mais tenha vindo à superfície: a de um tão homem delicado quanto uma uma força bruta da natureza.

Dando por mim a agendar um reencontro com uma das glórias das comédias picantes italianas dos idos de 70, reparo que a Cinemateca se prepara para exibir na noite de 2ª Feira, «Jeans Tonic» dobrado em inglês! Dio Mio!!!

Será mesmo «O Cavalo de Turim» o filme derradeiro do húngaro Béla Tarr? Oxalá não, que o Cinema precisa dele. Mas se assim for terá sido este o seu melhor testamento ao Cinema. Um filme que é um grandioso épico, que nos dá conta da vã e inglória luta pela sobrevivência que um pai, uma filha e um cavalo de carga, teimam em levar por diante, contra, simplesmente, a ira de Deus pelo que os homens de mal fizeram. Um filme belo como poucos, feito do silêncio, que vale ouro, das personagens, e do imenso barulho do vento e do pó que tudo sufoca (ah, «The Wind»!). Feito também de um ritornello musical, omnipresente, mas também feito e sempre daquela extraordinária fotografia a preto e branco, que praticamente só os maiores do Mudo nos souberam dar (tirar). Um filme que remete imediatamente para o universo de Dovjenko e para a sua, nossa, «Terra». Os grandes-planos, as mesmas cenas fotografadas de ângulos diferente. Os pormenores no detalhe, de um olhar (o pai que interroga a filha com o olhar), de uma encenação (o pai deitado, morto?). A mesma batata comida de forma diferente. O poço que seca sem explicação, as lamparinas que não deitam luz apesar de cheias. Por fim a escuridão, sem hipótese de recurso. E a morte. Nada que o cavalo não tivesse pressentido antes (a recusa em trabalhar, em comer, o semi-cerrar dos olhos), nada que o vizinho não tivesse avisado a pai e filha, e nada a que os ciganos não fugissem (pérolas, a referência “não queres vir connosco para a América?”, seguida da oferta da Bíblia à filha). O melhor plano? O rosto da filha à janela, entre cá e lá, de que Lang teria gostado. Melhor sequência? A inicial, em que cavalo e camponês, regressando a casa, em esforço, são acompanhados pela câmara ondulando, ao sabor do vento, também ela em esforço, abrindo e fechando o diafragma, nunca parando, conseguindo durante largos minutos a proeza de nunca nos cansar, filmando que está as mesmas personagens, sempre, mas sempre de forma diferente, ora aproximando-se, ora afastando-se, subindo e descendo, avançando, recuando. É uma sequência sublime, de um filme tão sublime quanto pessimista, crú e conformista. É o Zaratustra de Nietzche, só que em vez de 10 anos, em 6 dias. E Deus descansou ao sétimo dia… ou terá Ele morrido?

«Sylvia Kristel, a actriz que conquistou o Mundo como ‘Emmanuelle’, um dos maiores clássicos do cinema erótico de sempre, foi ontem internada de urgência num hospital de Amesterdão, Holanda, após sofrer um derrame cerebral grave.».

Comprava-o JÁ:

"Há apenas quatro posters originais do filme 'Metropolis' (1927), de Fritz Lang, e um deles vai ser leiloado em breve podendo ser vendido por um milhão de dólares (o que seria um novo recorde para um cartaz de cinema) [...] O poster foi criado pelo pintor alemão Heinz Schulz-Neudamm (1899-1969), num design art-déco. Baseado num romance de Thea Von Harbou, mulher do realizador, 'Metropolis' é um dos filmes marcantes da história do cinema e um dos primeiros filmes da moderna ficção científica. [...]".